Недавно в венской Альбертине была открыта уникальная выставка, представляющая одну из самых важных коллекций модернистского искусства в Европе — коллекцию Герберта Батлайнера. Экспозиция охватывает период от импрессионизма и постимпрессионизма до различных направлений XX века, демонстрируя произведения таких мастеров, как Дега, Сезанн, Тулуз-Лотрек, Гоген, и многих других. Мы с Юлей, конечно же, не могли пропустить такое мероприятие.
Прогулка по залам музея начинается с работ импрессионистов, постепенно перенося посетителей в эпоху немецкого экспрессионизма, представленную группой «Мост» (нем. Die Brücke), а также в мир искусства «Нового объективизма» с его характерными работами.
Особое внимание уделено австрийскому искусству, где можно увидеть шедевры Кокошки и Эггера-Линца, а также многогранной русской авангардной традиции, воплощённой в картинах Гончаровой, Малевича и Шагала.
Важное место в выставке занимают произведения Пикассо. Здесь можно увидеть ранние кубистические работы, произведения зрелого периода 1940-х годов, а также прежде не выставленные гравюры и экспериментальные работы позднего творчества художника. Такой разнообразный подход позволяет окунуться в творческий процесс великого мастера и увидеть его эволюцию в различных художественных направлениях.
Выставка имеет глубокую символическую связь с именем Герберта Батлайнера, одного из величайших коллекционеров современности, который скончался в 2019 году. Его щедрый жест — передача коллекции Альбертине в постоянное пользование — стал настоящим подарком для мировой культуры.
Коллекция, насчитывающая около 500 произведений, охватывает важные этапы в истории искусства, начиная от импрессионизма и фовизма и заканчивая немецким экспрессионизмом, баухаусом, русским авангардом и избранными работами второй половины XX века.
Для посетителей выставки есть уникальная возможность не только насладиться творчеством великих мастеров, но и проследить эволюцию художественных течений в Европе с конца XIX века до современности.
Экспозиция оформлена в виде тематических залов, что позволяет глубже понять особенности каждой эпохи и познакомиться с новыми для себя направлениями, такими как фовизм или работы менее известных, но тоже талантливых художников.
Это уникальное мероприятие, где история искусства оживает в каждом зале, приглашая гостей совершить творческое путешествие сквозь время и пространство.
Первые залы посвящены импрессионизму, где каждая клеточка, каждое прикосновение кисти к холсту играют важное значение. Работы на этой выставке были выбраны неслучайно.
Ещё в 1874 году в Париже впервые были представлены совместные работы Моне, Ренуара, Сислея, Дега, Сезанна и других художников. Написанные быстро, без подготовительных набросков и этюдов, и демонстрирующие новую палитру необычайно светлых тонов, они вызвали скандал.
Ссылаясь на название одной из выставленных картин, критики пренебрежительно назвали художников «импрессионистами» — это был первый случай в истории современного искусства, когда прозвище превратилось в стилистический термин художественного направления.
Движение импрессионистов стремилось к спонтанному воспроизведению непосредственного впечатления от природы. Постоянная смена цветов предметов при разном освещении раздражала зрителей не меньше, чем быстрые эскизные мазки и отсутствие перспективной глубины.
Импрессионисты предпочитали работать в непритязательных местах вдоль Сены в окрестностях Парижа, таких как Ветёй или Живерни, куда Моне и его друзья перебрались не в последнюю очередь из-за более низкой стоимости жизни.
Они рассматривали сельский пейзаж не как влекущий атмосферный объект, а скорее как провал отражения света и цвета. Этот художественный принцип основывался на понимании того, что реальность состоит не из линий, а из цветовых пятен на воспринимаемой нами картине: из тех маленьких крючков, для которых проложил путь открытый мазок Моне.
Стремясь к исключительному изображению видимого, импрессионисты не только отказались от исторического и мифологического содержания искусства.
Они также формально освободили цвета от привычных связей, представив их как чисто оптические величины и скрестив их с двухмерными фактурами в виде пятен, точек и коротких мазков.
Это позволило преодолеть неизменную световую ситуацию в мастерской академического живописца. В зависимости от времени суток, сезона, влажности и температуры солнце заливает объект жёлтым, оранжевым или красноватым светом, придавая теням пурпурно-зеленоватый или голубой, а не серый оттенок.
Большинство импрессионистов вскоре оставили этот стиль. Только Моне, олицетворение данного движения, остался верен принципам до своих зрелых поздних работ, которые он создал в японском саду в Живерни, разбитом им самим.
THE BRIDGE
Также на этой выставке было представлено совершенно новое для меня направление живописи. Как было написано в информационных материалах, одно из художественных направлений зародилось практически случайно.
Под впечатлением от примитивного происхождения африканской скульптуры пятеро студентов архитектурного факультета основали в 1905 году в Дрездене первую группу художников-экспрессионистов, программно назвав её «Мост» (Die Brücke).
Её главными действующими лицами были Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф. На короткое время Эмиль Нольде и Эдвард Мунк также присоединились к этому обновленческому движению, которое подпитывалось антиакадемическим и антинатуралистическим духом. «Мост» просуществовал до 1913 года.
Даже в большей степени, чем Матисс и представители фовизма, художники «Моста», ни один из которых не обучался в академии, придавали большое значение радикальному самовыражению цвета и формы, не зависящему от природы.
Эти художники также практиковали освобождение от всех условностей и буржуазных традиций в совершенно новых формах совместной интимной жизни пар без ограничений. Райская нагота и примитивизм африканских скульптур стали моделями для их нового образа жизни.
Как и для Матисса и Пикассо незадолго до них, африканское искусство дало художникам «Моста» ключ к новому подходу к человеческой фигуре. Они восхищались безымянными скульптурами из Африки и Южных морей в этнологических музеях Дрездена и Берлина.
Путешествуя по экзотическим местам, они искали реальность своих представлений о далёком рае: в 1913 году Макс Пехштейн отправился к Южным морям. Эмиль Нольде в том же году присоединился к экспедиции в Новую Гвинею. Оба художника нашли в этих путешествиях решающее вдохновение для своего творческого развития.
Одним из самых влиятельных протагонистов модернизма и пионеров экспрессионизма был Эдвард Мунк. Его творчество занимает особую позицию между символизмом и экспрессионизмом.
Меланхоличные зимние пейзажи Мунка раскрывают архетипические экзистенциальные ситуации и символизируют человеческую жизнь, одиночество и социальную холодность.
ФИГУРАТИВНЫЙ И АБСТРАКТНЫЙ АВАНГАРД
Удивительной частью выставки стали несколько заключительных залов. При всём великолепии Пикассо, которого многие знают и который был представлен в самом конце помещений, именно эти авангардисты сделали много для развития данного направления в искусстве.
Ни в одном другом модернистском движении за столь короткий период времени (с 1910 по 1925 год) не сменялось столько групп художников и не сливались воедино разные направления, как в авангарде в Восточной Европе.
Художники из нынешней Украины, Беларуси и других частей бывшей Российской царской империи встречались в художественных центрах Санкт-Петербурга и Москвы. Многие из этих творцов — Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Марк Шагал, Владимир Баранов-Россине и другие — в 1910 году жили в Париже и Мюнхене.
В обмене между французским и восточноевропейским искусством развивались такие фигуративные позиции авангарда, как неопримитивизм и районизм. Неопримитивизм Ларионова и Гончаровой черпал вдохновение в народном искусстве и иконописи и находил параллели в экспрессионизме и фовизме.
С 1910 года в Восточной Европе становятся влиятельными французский кубизм и итальянский футуризм. Районизм (от французского rayon — «луч») возник как специфический восточноевропейский вариант: в динамичном живописном языке, состоящем из перекрывающихся пучков цветовых лучей.
Тенденция к фрагментации формы открыла путь к абстракции и абсолютному отсутствию фигуративности. Как бы я смог узнать это, если бы не такие потрясающие выставки в Альбертине?
Наиболее последовательной формой абстракции оказался конструктивизм с композициями, отличающимися высокой степенью технического совершенства.
Основные геометрические фигуры сбалансировано расположены на картинной плоскости, что позволяет уловить пространственные построения, эффект света и движения, а также «цветовые концентрации».
Конструктивисты преследовали социальную цель: архитектура, живопись и скульптура должны служить обществу как универсальные виды искусства.
Многие конструктивисты работали как архитекторы и дизайнеры, прокладывая путь к живописи, расширенной до третьего измерения, и материальным ассамбляжам.
Выставка, как всегда в этой галерее, была построена логично и понятно. Организаторам удалось так расположить большую часть работ, что, с одной стороны, виден стиль художника, а с другой стороны, прослеживаются общие тенденции в том или ином направлении.
Покидая стены этой выставки, я просто не мог осознать, как много редких и уникальных картин было собрано одним человеком и передано в дар одной из лучших картинных галерей мира.
Каждый раз после таких моментов в жизни я особенно благодарен Вене и Австрии за то, что у нас с Юлей есть возможность посещать столь грандиозные выставки, изучать историю, в том числе своей родины. Это, как мне кажется, лучший вариант адаптации к новой стране.
